Симфонія що таке simfonija значення і тлумачення слова, визначення терміна
музичний твір для оркестру, зазвичай в трьох або чотирьох частинах, іноді з включенням голосів.
Симфонії Й.Гайдна і В.А.Моцарта - блискучі зразки класичного стилю. Частини чітко відокремлені один від одного, кожна має самостійний тематичний матеріал; єдність циклу забезпечується тональними зіставленнями і продуманим чергуванням темпів і характеру тем. Струнні, дерев'яні духові, мідні духові та литаври дають безліч інструментальних комбінацій; ліричне начало, що йде від оперного вокального письма, проникає в теми повільних частин, розділів тріо по-третє частинах і в побічні теми інших частин. Інші мотиви оперного походження (октавні скачки, повторення звуків, гаммообразние пасажі) стають тематичної основою швидких частин. Симфонії Гайдна відрізняються дотепністю, винахідливістю тематичного розвитку, оригінальністю фразування, інструментування, фактури і тематизму; симфонії Моцарта відзначені багатством мелодики, пластичністю, витонченістю гармонії і майстерним контрапунктом.
Чудовий зразок класичної симфонії кінця 18 ст. - симфонія № 41 Моцарта (К. 551, до мажор (1788), відома під назвою Юпітер. Її партитура включає флейту, два гобоя, два фагота, дві валторни, дві труби, литаври і групу струнних (перші та другі скрипки, альти, віолончелі, контрабас). Симфонія складається з чотирьох частин. Перша, Allegro vivace, написана в живому темпі, в тональності до мажор, розмірі 4/4, в сонатної формі (т.зв. формі сонатного алегро: теми в перший раз з'являються в експозиції , потім розвиваються в розробці, за якою слід реприза, зазвичай закінчується висновком - кодою). Друга година ть симфонії Моцарта написана в помірному (moderato) темпі, в субдомінантовою тональності фа мажор, знову-таки в сонатної формі і носить співучий характер (Andante cantabile).
Третя частина складається з помірно рухомого менуету і тріо в до мажорі. Хоча кожен з цих двох танців написаний в рондообразной бінарної формі (менует - ААВАВА; тріо - CCDCDC), повернення менуету після тріо надає загальній структурі трехчастность. Фінал - це знову сонатная форма, в дуже швидкому темпі (Molto allegro), в основній тональності до мажор. Побудовані на лаконічних мотивах теми фіналу випромінюють енергію і силу; в коді фіналу бахівські прийоми контрапункту поєднуються з віртуозністю моцартовского класичного стилю.
У творчості Л.ван Бетховена частини симфонії тісніше пов'язуються тематично, і цикл досягає більшого єднання. Принцип використання спорідненого тематичного матеріалу в усіх чотирьох частинах, проведений в бетховенською П'ятої симфонії, привів до виникнення т.з. циклічної симфонії. Бетховен замінює спокійний менует більш жвавим, часто буйним, скерцо; він піднімає тематичне розвиток на новий рівень, піддаючи свої теми всіляких змін, серед яких контрапунктическая розробка, вичленення фрагментів тим, зміна ладу (мажор - мінор), ритмічні зрушення. Вельми виразно застосування Бетховеном тромбонів в П'ятій, Шостій і Дев'ятої симфонії і включення голосів у фіналі Дев'ятої. У Бетховена центр ваги в циклі зміщується з першої частини на фінал; в Третій, П'ятої, Дев'ятої фінали безсумнівно є кульмінаціями циклів. У Бетховена з'являються симфонії "характерні" і програмні - Третя (Героїчна) і Шоста (Пасторальна).
Романтична симфонія. З творчістю Бетховена симфонія вступила в нове століття. Властиві його стилю різкі зміни темпу, широта динамічного діапазону, багатство образності, віртуозність і драматичність, іноді несподіванка появи і багатозначність тим - все це розчистив шлях композиторам романтичної епохи. Усвідомлюючи велич Бетховена, вони прагнули йти його шляхом, не втрачаючи при цьому власної індивідуальності. Композитори-романтики, починаючи з Ф. Шуберта, експериментували з сонатної і іншими формами, часто звужуючи або розширюючи їх; симфонії романтиків сповнені ліризму, суб'єктивної експресії і відрізняються багатством тембрового і гармонійного колориту. Сучасник Бетховена Шуберт володів особливим даром створення ліричних тим і надзвичайно виразних гармонійних послідовностей. Коли логіка і впорядкованість класицизму поступилися місцем суб'єктивізму і непередбачуваності, характерним для мистецтва романтизму, форма багатьох симфоній стала просторішою і фактура важче.
В кінці 19 ст. творчість ряду талановитих симфоністів, серед яких кожен мав яскравим індивідуальним стилем, ознаменувало фінальний етап класико-романтичної традиції з її переважанням сонатної форми і певних тональних відносин. Австрієць Г.Малера наситив симфонію тематизмом, що беруть витоки в його власних піснях, в танцювальних мотивах; нерідко він прямо цитував фрагменти з народної, релігійної або військової музики. У чотирьох симфоніях Малера використовуються хор і солісти, і всі десять його симфонічних циклів відзначені надзвичайною різноманітністю і витонченістю оркестрового письма. Фінн Я.Сібеліуса складав симфонії абстрактного характеру, пройняті глибоким почуттям; для його стилю характерне перевагу низьких регістрів і басових інструментів, проте в загальному його оркестрова фактура залишається ясною. Француз К. Сен-Санс написав три симфонії, з яких найбільш відома остання (1886) - т.зв. Органна симфонія. Найпопулярнішою французької симфонією цього періоду можна, мабуть, назвати єдину симфонію С.Франка (1886-1888).
У четвертій частині, "Предвічний світло" ( "Urlicht"), з'являється людський голос. Ця оркестрова пісня, яка випромінює сяйво і виконана глибокого релігійного почуття, написана для альта соло і зменшеного оркестрового складу; вона має форму АВСВ, розмір 4/4, тональність ре-бемоль мажор. Бурхливе, "дикий" фінал в темпі скерцо містить безліч змін настроїв, тональності, темпу, метри. Це дуже велика сонатная форма з монументальної кодою; в фінал включені мотиви маршу, хоралу, пісні, що нагадують про попередні частинах. В кінці фіналу вступають голоси (солирующие сопрано і контральто, а також хор - з гімном про воскреслого Христа на слова німецького поета 18 ст. Ф.Клопштока. В оркестровому укладанні з'являються світлі, блискучі оркестрові фарби і тональність мі-бемоль мажор, паралельна до основного до мінору: світло віри розсіює темряву.
На початку 20 ст. американець Ч.Айвз склав ряд авангардних симфоній, в яких використані оркестрові кластери, четвертитонової інтервали, поліритмія, діссонантних гармонійне лист, а також колажна техніка. У наступному поколінні кілька композиторів (всі вони вчилися в 1920-х роках в Парижі у Наді Буланже) створили американську симфонічну школу: це А.Копленд, Рой Харріс (1898-1981) і У.Пістон. В їх стилі завдяки елементам неокласицизму відчутно французький вплив, але все ж їх симфонії створюють образ Америки з її просторами, пафосом і природними красотами. Симфонії Роджера Сешнс відзначені складністю і примхливістю хроматичних мелодійних ліній, напруженістю тематичного розвитку, великою кількістю контрапункту. Уоллінгфорд риггери в своїх симфоніях застосовував серійну техніку А.Шёнберга; Генрі Коуелл використовував в симфоніях такі експериментальні ідеї, як мелодії гімнів в фугірованной розробці, екзотичні інструменти, звукові кластери, діссонантний хроматизм.