Практичні поради для художника

Про розмір картини і про перенесення малюнка ескізу на полотно

Закінчивши роботу над завершальним ескізом, художник переходить до виконання картини.

Суттєве значення має вибір розміру картини, який можна визначити лише в результаті проведеної підготовчої роботи. Саме в завершальному ескізі, виконаному в кольорі, найкраще видно, якого розміру повинні бути фігури персонажів в картині.

У початківців художників часто спостерігається прагнення до великих розмірах творів. Слід рішуче застерегти від подібної гігантоманії.

Після встановлення розміру картини і підготовки полотна перед вами постає завдання на площині цього полотна передати ваш задум, втілений поки в невеликому ескізі. Чергова задача - перенесення малюнка ескізу на полотно. Малюнок - основа картини, її фундамент, і тому до виконання його на полотні слід ставитися з великою увагою.

Не рекомендується цю задачу виконувати прямо на око, так як при різних зазвичай розмірах полотна і ескізу це і важко і не гарантує вас від помилок і наступних переробок малюнка, що псують білий грунтовий полотно. Слід мати на увазі, що живопис по нерівному і забрудненого вугіллям або олівцем грунту завжди буде брудною, особливо в тих місцях, де фарба кладеться рідко і робляться лессировки.

Щоб уникнути всього цього, рекомендується виготовляти так званий картон. Попередньо виконується на окремому аркуші (або декількох склеєних аркушах) паперу, що відповідає розміру полотна, точно за ескізом світлотіньовий малюнок. На цьому аркуші або картоні ви можете помилятися в малюнку, неодноразово виправляти його, уточнювати по натурі, встановлюючи натурщиків і предмети обстановки відповідно до точкою зору, прийнятої в ескізі. Малюнок починайте з перспективного побудови простору і з перенесення потім на картон головної фігури або групи композиції, переходячи поступово до решти фігур і різних деталей.

Остаточно виправлений на картоні малюнок ви повинні тепер перенести на полотно. Для цього расчертите ваш картон на невеликі квадрати і на відповідну кількість квадратів расчертите і заготовлений полотно. Таким чином, картон і полотно покриються однаковою сіткою двох різних масштабів, що дозволить, переходячи послідовно від квадрата до квадрату, вельми точно переносити малюнок на полотно. Уникайте пачкотню на полотні. Після остаточної перевірки малюнка обережно зітріть чистою ганчіркою або ватою (а де треба, і гумкою) все зайве, і в тому числі сітку квадратів (які краще викреслювати вугіллям). Готовий точний малюнок закріпіть фіксатівом.

Про живопис картини і про прийоми її виконання

Раніше вже відзначалися значення кольору як елемента композиції і необхідність досягнення в картині колірного єдності. Не існує раз назавжди встановлених рецептів для вирішення цього завдання, але є одна обов'язкова вимога: ніколи не обмежуйтеся буквальним перенесенням або вписуванням в картину натурних етюдів, але завжди творчо переробляти їх.

Пошуки загального колориту важкі, але домагатися його необхідно. Без цілісного колірного рішення навіть добре скомпонована картина розпадеться на окремі колірні шматки. Ці шматки-плями, сперечаючись один з одним, відвернуть увагу глядача від головного в картині.

Вирішуючи колористичні завдання, необхідно враховувати характер освітлення і просторового розміщення діючих осіб і предметів обстановки. Освітлення, світло-повітряне середовище є тим фактором в натурі (а значить, і в картині), який об'єднує і пом'якшує локальні кольору. Особливо це буває помітно в пейзажі, коли ви дивитеся на нього здалеку. Важче виявити вплив освітлення в менш глибокому просторі і ще важче - в закритому просторі інтер'єру, Але закон повітряної перспективи залишається в силі і в цих випадках.

Приклади колористичного єдності картини ми знаходимо в таких творах російського живопису, як "Хрещений хід в Александріяой губернії" Рєпіна, "Бояриня Морозова" та "Ранок стрілецької страти" Сурікова та ін. В останній з названих картин колорит похмурого світанку, з холодним просвітом неба на горизонті, як не можна більш відповідає трагізмом зображуваного події. Ще більшою мірою це відноситься до твору того ж художника "Меншиков в Березове": колорит тут настільки гармонує з переживаннями опальної сім'ї, так соответству т незатишності холодної сибірської хати, що ви самі як би починаєте відчувати цей холод.

В роботі олійними фарбами потрібна продумана послідовність. Можна рекомендувати два основних живописних прийому: писати фарбами безпосередньо по малюнку і писати по попередньо виконаному на полотні подмалевку.

У чому переваги того чи іншого прийому?

У першому випадку переведений з картону на біле полотно малюнок відразу прописується фарбами, прокладаються основні світло-колірні відносини, знайдені художником в ескізі. Ця пропис здійснюється щодо прозорої кладкою фарби, а для картин невеликих розмірів іноді навіть вживають не масло, а акварель або темперу. Логічніше починати з прокладки тіней, які, лягаючи на біле полотно, відразу визначають форму предметів. Однак не поспішайте скоріше "зафарбувати" полотно, але завжди враховуйте, що недоробка форми, а тим більше її спотворення в подальшому послужать вам погану службу.

Описаний прийом привертає художників тим, що він дає можливість вже на початку роботи прокласти і перевірити основні колірні відносини і тим самим усвідомити собі і загальний колорит картини. Але зате, користуючись цим прийомом, важче простежити різницю в світлосилі окремих планів і предметів, а отже, і моделювати форму, але ж площинна живопис - набір барвистих плям. Вимога передачі форми в більшій мірі задовольняє прийом живопису по подмалевку. Цей здавна відомий прийом, яким користувалися старі майстри, полягав у наступному.

Малюнок виконувався на полотні однією або двома фарбами (зазвичай умброю). Фарба накладалася тонким шаром, в тінях гущі, у світлі - зовсім прозоро.

Після висихання цього шару для більшого виявлення об'ємної форми висвітлюються злегка подцвеченнимі білилами світлі місця, майже недоторканими залишалися все тіні.

Потім за відпрацьованим і висохлому подмалевку старі майстри працювали лессировками, тобто прописували картину прозорими фарбами.

Прийомом подмалевка, але з істотними змінами користуються і сучасні майстри. Так, художник Б. В. Йогансон розповідає:

"Коли фігури розташовані, я фіксую папір (тобто картон) і розкреслюють на квадрати; те ж саме роблю на білому полотні вугіллям. Потім починаю подмалевку, тобто підготовку декількома фарбами форми. В даному випадку я вибрав чорну і умбру натуральну. Перед тим як доторкнутися до полотна фарбами, то місце на полотні, яке я розраховую прописати в один день, я протираю лляною олією, стираю надлишок олії ганчіркою і починаю широким пензлем прописувати форму, або, вірніше, робити малюнок двома фарбами. Коли картина прописана по етюдів, з'ясована форма, я для посилення глибоких місць прописую вдруге. Все це робиться без краплі білил, акварельних (тобто рідким) способом. Перед тим як прописувати вдруге, також необхідно протерти олією. Одним словом масло у вас на полотні і ні в якому разі не на палітрі. Коли підмалювати все або головні місця і все висохло, тільки тоді ви приступаєте до живопису.

Я особисто люблю, після того як з етюду перекладаю фігуру або деталь на полотно, знову писати з натури, прямо на полотні. Звичайно, завод і все те, що я не можу безпосередньо писати з натури, я пишу по етюдів ".

У зв'язку з наведеним висловлюванням Б. В. Йогансон зупинився на питанні про використання в цій стадії роботи над картиною етюдів і натури.

Як правило, живопис картини виповнюється по етюдів. Цілком очевидно, що за такої умови самі прийоми живопису в картині окремих фігур, деталей та ін. Неминуче повинні видозмінюватися в бік більшої або меншої широти і деталізації в залежності як від співвідношення розмірів картини і етюди, так і того місця в просторі сюжету, яке займає дана фігура або деталь. Про це не можна забувати ні на хвилину.

Що стосується живопису окремих фігур в картині або її деталей прямо по натурі (як це любить робити Б. В. Йогансон), то тут слід застерегти початківців художників. Справа в тому, що в завершальному ескізі ви дали хоча і приблизне, але продумане і розроблене колірне рішення. Приступивши до живопису картини, ви весь час спиралися на це колірне рішення, на знайдений вами загальний колірний тон. Тепер ви в цю зв'язно вирішену в кольорі композицію починаєте прямо з натури вписувати ту чи іншу фігуру або деталь. Перед вами відразу постає важке завдання зробити так, щоб вписана або виправлена ​​по натурі деталь не випадала б із загального колірного ладу картини.

Перевірка по натурі необхідна, але за умови творчої переробки натурного матеріалу.

Про закінченості картини

Закінчуючи картину, ви часом повинні змінювати, додавати або навіть виключати дещо в ній. Під закінченістю не можна розуміти тільки обробку поверхні барвистого шару або виписування до ілюзорності всіх деталей картини. В процесі закінчувався картини необхідно бути самокритичним, наполегливо долати інерцію власної думки і боязнь технічних труднощів при виправлення.

Наскільки складний і відповідальний процес закінчувався картини, свідчить наступний вислів І. Ю. Рєпіна з приводу його роботи "Запорожці", розпочатої в 1880 році і ще не закінченої до 1890 року:

"Запорожців" я ще не скінчив. Яка важка річ - закінчити картину. Скільки жертв треба принести на користь гармонії. "

Звільнення картини від деталей, які не допомагають виявленню головного, абсолютно необхідно навіть в тому випадку, якщо ці деталі дуже вдало, виразно написані і вам шкода ними жертвувати. Усвідомлення необхідності тих чи інших переробок або жертв і рішучість в цих випадках можливі лише при постійному зверненні художника до того "компасу", яким є ідейний задум, і, з іншого боку, - до власного чуттю і смаку. Все, що не відповідає цьому задуму , не допомагає його образним висловом, - все це повинно нещадно віддалятися з полотна. Слід омріяний вами в процесі творчої роботи художній образ картини цінувати і любити більше, ніж ваш іноді важка праця над тією чи іншою деталлю, що опинилася під кінець чи ній. Намагайтеся не розгубити цей образ в подоланні неминучих технічних труднощів і не приносите ваш задум в жертву випадковим знахідкам. Закінчуючи картину, тобто доповнюючи обдумано те, що в ескізі дано приблизно, будьте в той же час рішучі, вносите в цей завершальний етап роботи все ваше вміння, весь ентузіазм.

Рама це плаття для картини

Щоб допомогти глядачеві зосередити увагу на картині і можливо ясніше побачити її, необхідно також подумати ще про одну деталь, а саме про рамі картини. Рама - це плаття картини, яка повинна не тільки відповідати її художнього образу, але формою свого багета, його глибиною, ліпленням і кольором збагачувати картину, підкреслювати її колорит, простір. Рама тому теж певною мірою елемент композиційного рішення картини, і, отже, її підбір вимагає від художника серйозної уваги. Барвиста, грубого ліплення вигадлива рама здатна вбити художню цінність самої бездоганної картини. Природно бажання і початківців художників можливо краще оформити свої картини, але оформлення слід вибирати обдумано, з тактом, щоб в гонитві за помилковою красивістю не збитися на антихудожественность.