Особливості театральної та концертної фотозйомки

Режими зйомки, експокорекція

Ну ось ми і дісталися до зйомки. В яких режимах знімати і на які параметри орієнтуватися?

Насправді, умови освітлення на спектаклях і концертах часто такі складні і так швидко змінюються, що автоматика камери слабо з цим справляється. Тому для зйомки прийнятні тільки напівавтоматичні і ручний режими. З напівавтоматичних широко використовується всіма улюблений режим пріоритету діафрагми. Причому діафрагма встановлюється повністю відкритою, або трохи (до одного ступеня) прикривається, якщо на відкритій якість картинки у використовуваної оптики невисоко. Однак в цьому режимі майже напевно буде потрібно введення експокорекції, і майже напевно - негативною. Відбувається це через те, що освітлення на сцені, як правило, нерівномірний, точкове. Прожекторами підсвічуються солісти, в меншій мірі - інші дійові особи. А декорації і «задник» часто значно темніше або зовсім тонуть у мороці. І якщо не вводити експокорекцію, автоматика буде відпрацьовувати картинку в кадрі в цілому і видавати Пересвет основних дійових осіб, а це вкрай небажано. Величина поправки залежить від перепаду освітлення між сценою і «задником». Зазвичай вона становить до одного ступеня, але якщо задник абсолютно чорний, може не вистачити і двох. Зазначу також, що точковий експозамір не є вирішенням проблеми і даватиме ще більші помилки і вносити незручність при побудові кадру, сповільнюючи зйомку. Звичайно, в будь-якому випадку при зміні освітлення сцени помилки будуть виникати, їх необхідно своєчасно коригувати. Це приходить тільки з досвідом. Основне завдання - мінімізувати помилки до меж, коли їх можна без наслідків виправити при обробці знімків.

На концертах буває, що динаміка дії зберігається приблизно постійною, а ось освітлення змінюється. В цьому випадку можна використовувати інший напівавтоматичний режим - зафіксувати діафрагму і бажану витримку і змусити апарат відпрацьовувати зміни освітлення за допомогою автоматичної зміни чутливості. Експокоррекцию доведеться вводити і тут. Плюс в тому, що таким чином ви, по суті, маєте режим мінімальної чутливості і, відповідно, мінімальних шумів. Мінус в тому, що діапазон зміни чутливості набагато вже діапазону витримок, що може привести до серйозних помилок в експозиції. Тому тут дуже важливо виставити оптимальну витримку, щоб чутливість автоматично змінювалася переважно в нижньому діапазоні значень, не досягаючи, однак, мінімального значення, інакше виникне ризик пересветов.

Ручний режим також має свої плюси і мінуси. Він може бути оптимальним рішенням, коли освітлення сцени практично не змінюється - можна виставити експозицію один раз і отримати відмінні знімки. З цього ж випливає, що при динамічному освітленні відсоток браку може перевищити допустимі межі. Повторю, що для правильного вибору режиму зйомки дуже важливо мати попередню інформацію про сценічному дійстві. Навіть в напівавтоматичних режимах вкрай важливо спочатку наскільки можливо точно оцінити головні параметри зйомки, що безпосередньо впливають на експозицію, а в процесі зйомки безперервно контролювати і коригувати їх. Про це і поговоримо далі.

Діафрагма, витримка і чутливість

Отже, як уже говорилося, діафрагму відкриваємо повністю або майже повністю. Витримку зберігаємо в межах від 1/50 с до 1/500 с залежно від динаміки відбувається на сцені. Загальне правило таке - витримка повинна бути настільки довгою, наскільки дозволяє ситуація, для того, щоб можна було не надто «задирати» третій параметр зйомки.

Є тут ще одна хитрість: шум матриці при збільшенні ISO зростає немонотонно. Це означає, що не у всіх випадках менше значення ISO дасть менший шум на зображенні. Мінімуми шуму спостерігаються при ISO 160, 320, 640, 1250, 2500. Звичайно, ISO640 шумить сильніше ISO320, але воно шумить менше ISO500 і навіть ISO400 - перевірено, принаймні для апаратів Canon! Висновок простий - потрібної запам'ятати цей числовий ряд і при зйомці виставляти тільки ці значення, пропускаючи інші, особливо при високій чутливості.

Зйомка в RAW

Вибір точки зйомки

Основна складність в тому, що ні з будь-якої точки залу, з якої б хотілося вести зйомку, можна це робити. Велика частина зайнята глядацькими кріслами, та й не на всякому вільному місці вдасться розташуватися - можна стати серйозною перешкодою глядачам або навіть, того не очікуючи, перешкодити театральному дії. Як це можливо? Справа в тому, що актори іноді спускаються зі сцени в зал, а також, навпаки, виходять із залу на сцену. Тому, перекривши прохід, можна створити серйозні проблеми артистам, а згодом - і собі. Зрозуміло, що при виборі місця дуже важливо заздалегідь з'ясувати цей момент.

Як знімати - сидячи або стоячи? Якщо за вами знаходяться глядачі - тільки сидячи. Однак в такому випадку точка зйомки може виявитися занадто низькою. Вихід один - відсунутися подалі від сцени і використовувати природний ухил підлоги в залі. Оптимальне положення фотоапарата - приблизно на півметра вище рівня сцени. Якщо не дотримуватися цього правила, то переміщення артистів на сцені по глибині вимагатимуть вертикального повороту апарату, особи артистів будуть розташовуватися на різних рівнях. При занадто низькою точці зйомки переднім краєм сцени будуть «обрізатися» ноги, це вкрай небажано. Якщо у краю сцени розташовані прилади підсвічування, подзвучки, то точку зйомки треба піднімати вище, ніж на півметра - до тих пір, поки профілі приладів перестануть домінувати в кадрі і закривати ноги артистів на передньому плані. Навпаки, при дуже високій точці зйомки в кадрі буде багато статі замість декорацій, і взагалі вигляд сцени не буде відповідати тому, що бачать глядачі із залу. Якщо підлога нічим не покритий, на фото він може виглядати непрезентабельно. Для великих планів такий стан камери зовсім не підходить. Однак в деяких випадках зйомка з високою точки може дати цікаві спільні плани, але весь спектакль знімати звідти не варто.

Найчастіше в залах є три проходи - по краях і в середині. Найбільш класична точка - посередині з рівня трохи вище сцени. Але і тут можливі складнощі - якраз по центру можуть перебувати сценічний мікрофон і голова диригента. В такому випадку слід хоча б трохи зміститися в сторону.

Точки в крайніх проходах непогані для подс'емкі додаткових планів, але так само як і верхня точка не рекомендуються для зйомки всієї вистави - дія відбувається як би в стороні, актори звертаються до середини залу, а фоном можуть виявитися вже не декорації, а сценічні технічні засоби. Але знову ж таки для різноманітності кілька таких фото робити можна. Міняти точку зйомки зручно в антракті. Можна це зробити один-два рази і під час вистави, використовуючи монопод і бічні проходи. Діяти потрібно безшумно і швидко, поважаючи глядачів, що купили квиток і прийшли на виставу. На концерті переміщатися дещо простіше, і там теж стане в нагоді монопод - він мобільніше.

З усього сказаного ясно, що насправді в залі є лише 3-4 непоганих точки для зйомки, а основна - одна, по центру, причому вона, швидше за все, не буде розташовуватися дуже близько до сцени. Використання фікс-об'єктива вносить додаткові обмеження на відстань до сцени.

Під час вистави зал для глядачів, як правило, затемнений, але якщо ми говоримо про концерт, ситуація може бути іншою. Інакше поводяться і глядачі - вони можуть не тільки сидіти, але і стояти, танцювати, емоційно реагуючи на те, що відбувається, ніж варто скористатися. Тому має сенс час від часу знімати загальний план залу і окремі виразні великі плани глядачів - такі знімки можуть також стати в нагоді, розбавити загальний візуальний ряд сценічних кадрів і додати певних фарб в вашу фотосерію.

Чи потрібен для зйомки звуковбирний чохол? Моя думка - немає. Звук затвора камери чути навіть найближчим глядачам тільки в паузах, в драматичних місцях. Можливо, просто має сенс не клацати в ці моменти як попало. На концертах проблеми взагалі немає. Сам по собі будь-який чохол знижує зручність і оперативність роботи, рука починає потіти. До того ж буде вкрай наївним вважати, що такий чохол, що має безліч отворів, вирішить проблему і заглушить роботу затвора. Ні, він зробить звук лише трохи тихіше. А ефективно глушити потрібно, мабуть, матрацом. Тому такий невеликий ефект не варто самокатування і грошових витрат. Взагалі, сам я ніколи не використовую режим серійної зйомки, і це вже вирішує проблему. Вважаю, що майстерність театрального фотографа полягає в тому, щоб думати, передбачати, вичікувати момент, робити 1-2 "пострілу" і потрапляти "в яблучко". Знімаючи серіями, ви не досягнете воістину високого професійного рівня, та й наступний відбір знімків істотно ускладніть.

І наостанок, не варто забувати про те, що в театрі відбувається багато цікавого, але прихованого від очей простого глядача - репетиції, прес-конференції, робота різних театральних служб, підготовка артистів перед виходом на сцену і ще багато чого. Вся ця театральна кухня, закулісся дозволяють побачити і розповісти незвичайні історії. Особливо важливо зняти такий матеріал, коли ви готуєте репортаж про якусь постановку в дусі "як це було" або про відомого артиста, наприклад, з нагоди його бенефісу. Це послужить відмінним доповненням до кадрів сценічного дійства, дозволить розповісти Історію, тобто підніме вашу роботу на інший рівень. Та й взагалі, знімати все це - дуже захоплююче! До того ж, поступово зав'язуються цікаві і корисні знайомства в театральному середовищі, ви стаєте там своєю людиною, а це дуже важливо.

Частина 1. Про проблеми і засобах їх вирішення

Частина 2. Підготовка до зйомки