Театр в Японії - велика прогулянка
японські театри
Традиції та історія японського театру йде корінням в дуже далеке минуле. Пряма спадкоємність традиції простежується мало не півтора тисячоліття, до епохи, коли в Японію з материка проник буддизм, а разом з ним - музика і танці з Китаю, Індії, Кореї. Знаменитий знавець японської культури академік Н.Конрад припустив, що класичний японський театр зберіг в собі і елементи античної драми, що проникла на Далекий Схід довгим і окружним шляхом - через елліністичнідержави Передньої Азії, Індії та Китаю.
Найважливіші атрибути традиційного японського театру: маски і танці використовувалися ще в добуддийских, що нагадує шаманські танці лицедійстві Кагура. який входив в сінтоіскіх ритуал богопочитания. Дивно, що навіть цей ранній, щодо примітивний вид театрального мистецтва в Японії не помер, подекуди в провінціях уявлення Кагура влаштовуються до сих пір. Однак народження японського театру зазвичай пов'язують не з Кагура, а з появою пантоміми Гигаку ( "акторська мистецтво") і танців Бугаку ( "мистецтво танцю"), запозичених з континентальної культури в VII столітті. Гигаку проіснувало до X століття, а потім була витіснена більш складними формами пантомімічній драми, зате уявлення Бугаку, що стали неодмінною частиною храмових свят та палацових церемоній, згодом виросли в окремий музично-танцювальний жанр, який не тільки зберігся, але по реставрації імператорської влади в 1868 році пережив новий розквіт і нині виповнюється для широкої аудиторії, в концертних залах.
Традиційний японський театр - цей складний і багатобарвний світ, кожному з компонентів якого (акторської майстерності, музиці, сценографії, маскам, декораціям, костюмам, гриму, лялькам,
Що ж такого гарного і цікавого є в Але? Театр Але зародився в 14-м столітті і швидко стала "модною" серед самураїв і вищої аристократії сьогунату Токугава. Тобто, театр Але спочатку був орієнтований на вищий стан і недоступний для широких мас населення. У наші дні, звичайно ж, вистава театру Але може відвідати будь-який бажаючий, але все одно, необхідно відчуття обраності і розуміння того, що відбувається на сцені, де найменші нюанси наповнені глибоким і незрозумілим випадковому глядачеві змістом.
Протягом століть театр розвинувся в потужну національну традицію і наповнився естетичної повнотою музейної мініатюри. Просте, але несе глибокий зміст, оздоблення сцени підкреслює глибину почуттів масок, обрамлених у часом барвисті, часом прості кімоно. І маски і кімоно передаються з покоління в покоління всередині кожної школи, і не рідкісні маски з трьохсотрічної історією. Хоча маски можуть бути дуже вражаючими - як "Хання" - маска мстить демона - більшість має спокійне, можна навіть сказати відчужений вираз, покликане викликати повний спектр глядацьких емоцій.
Під акомпанемент хору, барабанів і флейт головна дійова особа або Сіте оповідає історії з життя смертних і духів, богів і демонів, битв виграних і програних, убивць і буддійських ченців архаїчної Японії. Архаїчна мова, на якому ведеться розповідь, поглиблює "велику загадку" масок.
Вистава триває зазвичай години три з половиною - п'ять і складається з декількох п'єс, що перериваються невеликими мініатюрами з життя простих - Кьоген, і рафінованими танцями п'єс Але - Сімау, покликаними підкреслювати піднесеність головного дії.
В основному, вистави театру Але даються в спеціальних театрах. Однак останнім часом уявлення на відкритому повітрі - Такігі - знову набирає популярність серед японцев.Маскі театру Але
У своїй більшості, маски Але не прив'язані до якоїсь певної ролі, а широко використовуються в різних п'єсах на різні ролі. Маски Але, про які часто говорять, що їм не вистачає індивідуальності в вираженні, в поєднанні з глибоко символічними рухами актора і монотонної музикою створюють унікальну артистичну атмосферу.
Маски є невід'ємним атрибутом драми. Відмінною рисою масок Але є те, що вони СПРАВДІ ПЕРЕДАЮТЬ емоції. Почуття радості і злості, гумору і пафосу, виражаються ледь помітною зміною нахилу при додатку маски до обличчя, грою світла на сцені, драматичним речитативом хору - Утаі та акомпанементом барабанів і флейт - Хаясі. На перший погляд маски Але не передають ніяких емоцій, однак, насправді в них закладений величезний потенціал, що розкривається актором на сцені.
На сьогоднішній день існує близько 200 масок, більшість з яких зроблені з японського кипариса. Деякі окремі маски (наприклад Окина) використовуються тільки на певні ролі і з'являються на світ раз або два на рік. Цікаво зауважити, що різні школи (напрямки) Але використовують різні маски і кімоно на одні й ті ж ролі.
Привабливість театру Але полягає в тому, що маски висловлюють "чисті" емоції героїв, без домішок та впливів власних осіб акторів. Так що якщо ви шукайте "чистих" емоцій, то ви рано чи пізно знайдете себе на поданні АЛЕ.
Подання АЛЕ не ставить собі за мету реалістичну передачу простору і часі. Погане оздоблення сцени (якщо взагалі є) і на перший погляд одноманітні рухи акторів покликані пробудити уяву у аудиторії. Актор може зробити лише кілька кроків по сцені, але з реплік і мотиву хору глядач повинен розуміти, що персонажем був проведений довгий шлях. Персонажі п'єси можуть перебувати в двох кроках один від одного, але вони "не відчувають" присутність поки не повернуться обличчям один до одного.
Маски і громіздке одіяння приховують міміку і рухи тіла актора. АЛЕ - це царство жесту. Багато жести акторів мають строго певне значення, але є і такі, які "просто красиві» і вставлені для загальної гармонії і цілісності. Іноді актор активно рухається по сцені в танці, але також може і "застигнути" в одній позі, і драматизм ситуації буде піднесений з допомогою реплік і ритмічного мотиву хору. Моменти напруження почуттів можуть бути підкреслені повною відсутністю звуку і руху. Але це не просто тиша, а напружене мовчання. Таке мовчання повідає досвідченому глядачеві більше ніж безліч слів. Велика кількість подібних умовностей робить важким прилучення до АЛЕ для новачка, але дає багатий набір виразів акторам і дозволяє акцентувати увагу на тонких відтінках почуттів, що часто недоступно традиційного театру.
Коріння лялькового театру в Японії сягають кугуцусі, мисливцям, які у вільний час розважалися тим, що робили ляльок й експромтом влаштовували лялькові вистави. Звичайно ж, їх мистецтво був дуже простим. Вони влаштовували вистави прямо на вулиці або переходячи від хати до хати. Лялькові вистави пізніше стали влаштовувати послідовники буддійської секти дзедо, використовуючи для лялькових сцен буддистські. У деяких з цих мандрівних ченців-акторів до шиї на шнурках була підвішена мініатюрна сцена, так звана кубікаке. На цій маленькій сцені при допомоги ляльок розповідалася історія якого-небудь відомого храму, часто відвідуваного паломниками, або ж історія походження якого-небудь буддійського божества. Пізніше бродячі лялькові вистави з'єдналися з секкё - музичними викладками буддійських розповідей, що сприяло зростанню їх популярності. Лялькові вистави, відомі в давнину, як кугуцу, виявилися пристосованими для більш мирських цілей, так як ще до епохи Токугава куртизанки з околиць Нисиномия, поблизу Кобе, вдавалися до цього мистецтва для розваги своїх покровителів.
У перші роки Токугава секкё ще сильніше проникли в сферу народних захоплень. Розвитку цього мистецтва сприяло супровід на музичних інструментах: спочатку у вигляді бамбукових паличок, які терли один об одного, а пізніше у вигляді струнного сямісена. Крім того, теми, колишні перш переважно релігійними і історичними, стали набувати більш мирської і світський характер, придбали любовну і дещо зайве чуттєву окраску. У період свого занепаду секкё взяли форму утадзаімон і кадо-секкё: перші виконувалися під акомпанемент сямісена, другі - під мелодію Коке, японського варіанту скрипки, або під тертя бамбукових паличок. До більш високорозвиненого мистецтва дзерурі залишався один крок.
Популярна музична п'єса дзерурі, що виконується під акомпанемент сямісена, існувала вже в другій чверті XVI століття. Вона отримала визнання в середовищі народу, на відміну від виконуваних у супроводі бива оповідань "Хейке", визнаних у вищих колах. Самим раннім використаним для дзерурі текстом була "Історія Дзерурі", звідки і пішла назва і самого жанру. В основі її лежав розповідь про романтичне кохання популярного героя Мінамото Есицуне і Дзерурі, дочки заможного торговця. Більш легкі теми п'єс вдало поєдналися з ляльковими виставами і грою на сямісен. Першим художником, що з'єднав дзерурі з ляльковою виставою, був Дзёкей. Його батьком був Дзёкен, уродженець міста Сакаї, поблизу Осака. Він відігравав на бива і був знаменитим виконавцем "Хейке-моноготарі". Дзёкей успадкував від батька виконавську майстерність і особливий стиль дзерурі і з'єднав їх з особливим мистецтвом лялькових вистав, яке він вивчав у Геннодзё, лялькаря з Нисиномия. Очевидно, могутній Тойотомі Хідейосі, який сам походив із простої селянської родини, проявив інтерес до нового театру, так як для його розваги була дана п'єса, де Дзёкею допомагав один з лялькарів школи Геннодзё. Ще одним учнем Геннодзё був Дзіробей з Кіото, який разом зі своїм наставником виконав лялькову виставу, супроводжуване дзерурі - одне з перших в Японії. Повідомляють, що своєю новизною воно викликало в стародавній столиці великий ажіотаж.
Народжений 1595 року син Дзёкея Дзёун продовжував традиції свого батька спочатку під псевдонімами Торая Дзіроемон і Кохейда. Пізніше, ставши ченцем, він прийняв ім'я Дзёун, але оскільки витончена атмосфера західної столиці - Кіото не відповідала його войовничому характеру і тем його дзерурі, він відправився шукати щастя в сьогунського столицю Едо, де заснував в кварталі Накабасі ляльковий театр і почав давати вистави. Йдеться його була вільна від вульгаризмів, ляльки та їх костюми було виконано в класичному стилі, музика сямісена, що супроводжує уявлення, була на диво проста. Він відмовився від глиняних ляльок на користь дерев'яних. Паперові фіранки були замінені розкішними шовковими.
Oдним з найбільш видатних учнів Дзёуна був Гендаю. Його дзерурі відрізнялися витонченістю і витонченістю. Він відчував, що грунт Едо несприятлива для його мистецтва і повернувся в Кіото, де до нього приєднався ще один учень Дзёуна - Міяуті гіда. З появою в Кіото цих видатних виконавців почалася нова ера розквіту лялькового театру.
У Осаці, після падіння замку Тойотомі, безліч самураїв виявилися без господаря і зайнялися грабунком. Щоб усунути заворушення, їм було доручено охороняти вежі Осакського замку. Щоб розважити себе на цій нудною службі і заробити більше грошей, вони вирішили давати лялькові вистави для перехожих. Це ще більше сприяло зростанню популярності дзерурі
Інший популярний жанр yoсе - мандзай. Комічні діалоги мандзай походять від традиційних новорічних вистав, в ході яких мандрівні актори співали пісні і танці, а пізніше розігрували комедійні сценки. З 1930-х рр. коли виконавці стали виступати в європейських костюмах, діалоги мандзай з їх добродушним гумором знайшли численних шанувальників. У свій час в Осака мандзай навіть перевершив за популярністю ракуго і інші жанри yoсе. З поширенням телебачення мандзай впевнено увійшов в телепрограми, включивши в себе елементи мюзиклів, фарсу і інших жанрів.
Мистецтво yoсе також представлено жанрами КОДА, або художнє читання, і нанівабусі, вид оповідної балади, званий також рокёку. Кодан (дослівно - «читання лекції», «публічний виступ») - це оповідання, основою для яких послужили виступи мандрівних оповідачів. Поступово тематика оповідань розширювалася. Крім битв минулого вони стали розповідати про сімейні конфлікти в знатних феодальних будинках, про судову практику напівлегендарного судді Оокі Сейдана, про незвичайних пригодах з життя городян, про політичні події свого часі. Ці розповіді були дуже популярні. На початку ХІХ ст. налічувалося 800 оповідачів - кодансі.
Не всі теми оповідань подобалися владі. Нерідко виступи популярних оповідачів заборонялися, а один з кращих кодансі середини ХVIII ст. Баба Бунке в 1758 р був обезголовлений за оповідь про несправедливість бакуфу.
Такі види розваг, раніше входять до традиційні програми yoсе, як фокуси і майстерне вирізання силуетів з паперу, заповнюють антракти між актами мандзай і ракуго.
З'єднання лялькової вистави з народним пісенним оповіддю дзерурі, виконуваним під акомпанемент сямісена, відноситься до кінця ХVI - початку ХVII століть.
Спочатку лялькові вистави влаштовувалися в старій столиці Кіото на відкритих майданчиках русла періодично пересихаючої річки Камо. На початку ХVII ст. лялькарі перебралися в тільки що засновану нову столицю Едо. Однак після пожежі 1657 р лялькові театри знову перемістилися в район Осака - Кіото, де влаштувалися остаточно. З'явилися стаціонарні лялькові театри з добре обладнаними сценами. Їх пристрій без істотних змін дійшло до наших днів.
Ляльки для уявлень Бунраку виготовляються в розмірі 1/2 - 2/3 людського зросту. Кожну ляльку, як правило, ведуть три оператора. Найбільш досвідчений з них управляє рухами голови (очі, повіки, брови, рот) і правою рукою ляльки. Другий оператор рухає лівою рукою ляльки, третій - її ногами. Самі оператори одягнені в чорні балахони, що вкривають з головою. Через кілька хвилин після початку вистави глядачі перестають бачити оператора: їхня увага зосереджена виключно на рухах ляльок. У рідкісних випадках, коли в участі першої оператора виступає відомий артист, йому дозволяється не вкривати своє обличчя під чорним капюшоном.
Вистава йде під голос співака-оповідача гіда і ритмічний музичний акомпанемент на триструнна сямісена і барабанах. Гіда говорить від імені всіх зайнятих в поданні ляльок - чоловіків, жінок, дітей, позначаючи лише голосом, що змінюються від баса до фальцету, кому належать слова.
У 1956р. було побудовано нову будівлю театру Бунраку, поєднує елементи, характерні для традиційної японської театральної класики, з найсучаснішим театральним устаткуванням. Цей театр функціонує досі. Тепер він називається «Асахідза», а «Бунраку» збереглося як назва трупи, яка в ньому виступає. Трупа неодноразово переживала важкі часи, вона розколювалася, об'єднувалася, перебувала на межі банкрутства.
У 1963 р утворилася асоціація «Бунраку Кека» за участю державних і приватних організацій, яка відає справами цього театру.
У 1964 р театр був оголошений важливою культурною цінністю, що знаходиться під заступництвом держави.
У 1966 р у театру з'явилася ще одна прекрасна сцена в державному театрі в Токіо. З 1962 р почалися гастролі театру Бунраку за кордоном.